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Senna, de Asif Kapadia

Carla Gomes — Thu, 19 Jan 2012 20:25:28 +0000

Não sou fã de nenhum tipo de esporte e nem costumo acompanhar nada religiosamente, nem futebol, apesar da obsessão generalizada. Por isso, o impulso que me fez assistir Senna, de Asif Kapadia, está muito mais ligado ao mito Ayrton Senna, e não ao piloto em si. Indicado ao prêmio Bafta 2012, o documentário ficou guardado um bom tempo por aqui, até que finalmente resolvi parar para ver. E a sensação depois de seu encerramento é uma mistura de entendimento pelo que ele foi, e um certo pesar por ter sido jovem demais para acompanhar de perto seu impacto nas manhãs de domingo no Brasil.

Lembro vagamente de acordar com a música que se tornou seu tema, assim como a expressão de parte de minha família no dia em que ele morreu. Contudo, acho que foi só depois de ler O Herói Revelado, de Ernesto Rodrigues, e agora com o doc, que me dei conta do peso do esportista. Claro que já sabia de suas proezas na pista, com histórias sobre corridas e afins, mas é diferente de ver os recortes de sua vida reunidos em um filme com cara de ficção.

Narrada a partir de cenas e depoimentos do piloto, e com intervenções de figuras ligadas à sua vida – bem como algumas características narrações de Galvão Bueno -, essa não é uma obra para quem pretende desfazer a ideia de heroísmo que se tem dele. Porém, apesar do grande risco de tornar tudo motivacional demais, existe um certo equilíbrio que não o torna cansativo. Na mesma medida em que momentos de sua vida pessoal aparecem, conflitos e politicagens dos bastidores da fórmula 1 ganham bastante peso, com uma boa dose de polêmica.

Particularmente, justamente por não ser uma fã, os conflitos travados foram meus preferidos. Em todos os especiais que se vêem por aí, o lado controlado do piloto é sempre o mais apresentado. Contudo, durante o documentário, é possível desfazer um pouco dessa imagem, já que algumas discussões pontuais demonstram um lado mais humano, talvez. Além de criar uma situação clara de antagonismo, tal como costuma acontecer em uma obra ficcional.

Na verdade, chega a ser ridículo dizer isso, mas ao longo das cenas, é impossível não manter um desejo de final feliz. Mesmo sabendo de grande parte dos passos e consequências dos principais acontecimentos, a narrativa prende e consegue causar uma reação genuína. E isso vale tanto para a morte trágica como para pequenos detalhes, como suas discussões com Jean-Marie Balestre, chefe da categoria na época, ou ainda a disputa com Alain Prost. O francês, por sinal, é responsável pelo único momento em que aparece alguma dúvida sobre a retidão do caráter de Senna. Ainda assim, todo contexto é focado exclusivamente no lado vitorioso e persistente do protagonista, o que não é necessariamente algo ruim.

Por priorizar suas conquistas na pista, uma produção como essa não poderia seguir um caminho diferente. Assim como eu não gostaria de ver mais do que uma cena (constrangedora) ao lado de Xuxa, por exemplo, tenho certeza que dar enfoque a algum possível fracasso seria um tiro no pé. Querendo ou não, o motivo pelo qual Senna se tornou mítico está no sucesso que representou para o mundo, em especial para o Brasil vivido na época. Tenho algumas ressalvas com as imagens de pobreza extrema apresentadas para exemplificar sua importância por aqui, mas não dá pra negar sua influência na auto estima local.

Resumindo, assistir ao documentário é algo interessante e até prazeroso, por lembrar ou conhecer uma época distante. Ao mesmo tempo, cria inegáveis questionamentos sobre como poderia ter sido sua vida no esporte, caso seus rumos fossem diferentes. Não sei se dá pra dizer que é necessariamente uma obra prima, mas considerando o grande número de filmes altamente fúteis que surgem por aí, é sem dúvida uma boa opção. Possivelmente ainda melhor para quem o tem como ídolo.

Ensaio Sobre a Cegueira, de Fernando Meirelles

Leandro Faria — Mon, 05 Dec 2011 13:45:06 +0000

Metáforas sobre o comportamento humano em situações de tensão são comuns no cinema. Dito isso, afirmo que Ensaio Sobre a Cegueira mais que uma metáfora, é uma obra-prima. O filme, dirigido por Fernando Meirelles, é daqueles que aguçam a curiosidade, que ficam em nossa mente, que nos fazem procurar a obra na qual ele é baseado. E, se o livro de José Saramago for realmente melhor que o filme – o que mais de uma pessoa me garantiu -, tenho de corrigir essa falha em minha formação e ler URGENTEMENTE essa obra.

Contando com um elenco onde nenhum ator apresenta um resultado menos que excelente, a trama acompanha a vida numa cidade (ou país) ficticia quando uma epidemia de cegueira toma conta dos cidadãos. Diferente de uma cegueira normal – os infectados a definem como branca e leitosa, como se estivessem nadando num mar de leite -, a do filme surge do nada, acometendo primeiro um homem enquanto ele dirige. A partir daí, várias pessoas são infectadas e o governo decide colocar todos em quarentena, já que não se conhece uma cura. É nessa espécie de “campo de concentração” que a trama se desenrola, a princípio.

O fio condutor da história é um médico e, mais precisamente, sua mulher. Vivida por Julianne Moore, a personagem é a única que não é atingida pela doença, mas que finge-se de cega para acompanhar o marido, quando esse é enviado à quarentena. Sendo a única pessoa a enxergar no meio do caos, é através de seus olhos que acompanhamos a degradação humana quando as leis até então vigentes deixam de valer e o mundo se transforma num verdadeiro caos.

Os personagens de Ensaio Sobra a Cegueira não possuem nome. Assim, temos o médico, a mulher do médico, a prostituta, o Rei da Ala 3, o homem do tapa olho. Apesar dessa falta de humanidade que não ter um nome traz, é impossível não se colocar no lugar daquelas pessoas e de seus dramas. Fernando Meirelles extrai o máximo que pode de seu elenco e não há quem brilhe menos, não importando o tempo de tela. Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Gael García Bernal e Denny Glover, apenas para citar alguns, criaram personagens tão críveis que é quase impossível não se importar com eles e torcer contra ou a favor.

Acompanhar a degradação de uma sociedade pouco a pouco é uma experiência e tanto. Assim, apesar de a situação ser precária quando os primeiros cegos chegam à quarentena, é perturbador ver a sujeira se acumulando e e os valores sendo deixados de lado. A ascensão e queda do personagem de Gael García Bernal, o Rei da Ala 3, é um exemplo disso. Como não linkar o personagem à pessoas reais que tiveram o poder nas mãos e abusaram de tudo e todos com isso? A cena do estupro coletivo é repulsiva e nos leva a pensar em quantas situações semelhantes e reais já aconteceram, seja na época da escravidão ou na ascensão nazista. Mais do que isso, é impossível não sentir uma pontada de medo do que o futuro pode nos reservar já que, apesar de parecermos mais evoluídos, temos provas todos os dias de que o homem é um ser vil e que pode ser cruel e infame em determinadas situações. O que Saramago escreveu e Fernando Meirelles filmou é apenas um vislumbre de algo que poderia acontecer novamente na situação mais propícia.

Utilizando uma câmera em movimento, já marca do diretor, e uma fotografia excessivamente clara – o que nos ajuda a ter um pouco da sensação da cegueira branca -, Ensaio Sobre a Cegueira vai crescendo em sua história com o passar dos minutos, provocando reações diversas no espectador que o assiste.

Dessa forma, apesar de seu final um tanto quanto esperançoso, é impossível assistir ao filme impunemente, desligar o DVD e voltar a seus afazeres cotidianos. De tudo visto e assimilado, pelo menos para mim, ficou a pergunta: o que eu mesmo enxergo? Mais do que isso, como e o quê eu efetivamente tenho enxergado?

Amizade Colorida, de Will Gluck

Leandro Faria — Fri, 02 Dec 2011 13:32:53 +0000

Uma comédia romântica é sempre uma história que segue um fio narrativo normalmente conhecido. Apesar das sutis diferenças, as tramas envolvem garoto(a) encontrando garota(o), se apaixonando, para algum imprevisto acontecer e, somente no fim eles ficarem juntos. São clichês clássicos que, se bem usados, vão continuar atraindo os espectadores aos cinemas para acompanhar aquelas histórias. Vez ou outra, algum filme do gênero se sobressai, criando tramas apaixonantes e que se tornam inesquecíveis, como o já clássico 500 Dias Com Ela. Outras vezes, a trama é tão idiota que nos esquecemos dela antes mesmo dos créditos finais. Amizade Colorida fica entre os dois, já que não se trata de um filme medíocre, mas está longe de ser um exemplar que mudará o gênero. O que acaba sendo ótimo, já que o filme alcança seu objetivo: divertir o espectador.

Partindo de um pressuposto já utilizado com sucesso em outros filmes, caso do excelente Amor & Outras Drogas, vemos aqui dois jovens que resolvem manter seu relacionamento baseado apenas no sexo. A ideia é excelente, afinal, o seu/sua melhor amigo(a) é, provavelmente, a pessoa com quem você mais tem intimidade no mundo. Assim, porque não juntar a amizade ao tesão e misturar tudo, sem o inconveniente das cobranças de uma relação? É essa a ideia brilhante que os jovens amigos Jamie (Mila Kunis) e Dylan (Justin Timberlake) tem quando o segundo, recém chegado à Nova York e acabando de sair de um relacionamento, propõe um acordo de amizade com benefícios para a primeira, que também acabou de levar um belo pé na bunda. E, como você bem deve desconfiar, os dois se apaixonam e o acordo vai pro espaço.

Contando com dois atores belos e com química que explode na tela, Amizade Colorida conquista de cara, com seu início divertido e as situações de sexo sem compromisso vividas pelos personagens. Acompanhar o envolvimento de Dylan e Jamie é fácil e o desempenho dos atores ajuda muito nisso.

A Jamie de Mila Kunis é extrovertida e agradável, alguém que facilmente poderia ser nossa amiga. Por isso, é muito legal ver que quando um interesse amoroso surge na vida da personagem, ela se desequilibra com mil cobranças e acaba estragando tudo. Quantas pessoas como Jamie você não conhece? Legal, divertida, mas que quando se interessa por alguém, vira uma louca obsessiva e maluca?

Enquanto isso, Justin Timberlake mostra que o cinema é realmente seu lugar. Depois do excelente trabalho em A Rede Social, Justin mostra sua versatilidade ao criar um Dylan fofo e conquistador, mas que tem também de lidar com seus problemas familiares e insegurança. E, ao se apaixonar sem poder pela melhor amiga, o ator acaba ganhando todos com sua interpretação.

Se o começo do filme empolga, quando temos os dois efetivamente apaixonados e sem querer admitir isso a si mesmos, a trama perde um pouco de graça. Afinal, todo mundo já sabia que aquilo ia acontecer. Quando acontece, é meio chato. Ainda bem que o roteiro e o trabalho do diretor Will Gluck não enrolam muito nesse drama e sabem dosar a diversão.

No geral, Amizade Colorida é uma diversão despretensiosa, daquelas que te arrancam um sorriso no rosto e te fazem suspirar no final. Como sexo, com ou sem compromisso!

Colega de Quarto, de Christian E. Christiansen

Leandro Faria — Fri, 04 Nov 2011 15:57:05 +0000

O período da faculdade, para os americanos, é quando o jovem finalmente alça vôo, sai debaixo das asas protetoras da família e torna-se adulto. Normalmente as universidades ficam em outras cidades, existem os alojamentos, novos amigos e uma vida de festas e fraternidades sem fim. O que é também um prato cheio de possibilidades para tramas e histórias, vide a quantidade de séries e filmes ambientados nesse período da vida dos jovens americanos.

The Roommate (Colega de Quarto no Brasil, onde foi lançado direto em DVD) é mais um desses filmes e, se não fosse por seu elenco quase que exclusivamente vindo das séries de televisão eu sequer teria tomado conhecimento dele. Na verdade, lembro de ter visto alguns teasers da época em que o filme estava em produção, mas depois acabei me esquecendo. Até que num dia desses casuais da vida me deparei com o dito cujo e assisti. Podia ter passado sem.

A história acompanha a chegada de Sara (Minka Kelly) à universidade. A jovem acabou de sair de um relacionamento da qual não quer mais se lembrar (e acha outro namorado rapinho) e deixou para trás os pais e sua cidade. Sua colega de quarto é a jovem Rebecca – a atriz Leighton Meester, de Gossip Girl, num papel bem diferente da que faz na série -, que fará de tudo para ter a colega como sua melhor amiga, nem que pra isso tenha de se mostrar uma psicótica de primeira.

Claramente inspirado no filme Mulher Solteira Procura (Single White Female), estrelado por Bridget Fonda em 1992, The Roomate é bobinho toda vida, com Minka Kelly fazendo uma personagem tão idiota e burra que dá dó. Afinal, era evidente que Rebecca não era uma pessoa lá muito normal, todo mundo via isso, mas ela, boa alma que só, acreditava na amiga e continuou lá, até o final.

Leighton Meester está bem em cena, fazendo de Rebecca uma personagem que realmente dá calafrios. E as maldades da garota foram bem dosadas. Arrancar o piercing de um umbigo alheio no vestiário, matar o ex-namorado de Sara, atentar contra tudo e todos e, preciso dizer, o que me deu mais dó: colocar o gatinho pra morrer afogado dentro da máquina de lavar. Sério, isso sim é crueldade.

Primeiro filme do diretor Christian E. Christiansen, The Roommate é fraquinho que só, mas uma boa pedida se você for fã de séries. É divertido ver os atores que você conhece tão bem de determinados papéis, tentando fazer algo diferente (muitas vezes sem conseguir fazer).

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1, de David Yates

Leandro Faria — Tue, 19 Jul 2011 15:08:41 +0000

Acompanhar os filmes de Harry Potter, para mim, sempre foi um suplício. Leitor da saga, apaixonado pela história, sou do tipo de espectador que se revolta com artimanhas do roteiro e com mudanças em relação aos livros. Mesmo entendendo que livro é livro e filme é filme, que são obras diferentes com os mesmos personagens, eu me revolto. E apesar de continuar assistindo a filmes baseados em livros, os de Harry Potter pra mim não “desciam”. Achava os filmes bobos e que não faziam justiça aos livros. Por isso, deixei de me empolgar com os filmes e o último que vi no cinema foi Harry Potter e a Câmara Secreta. Dito isso, confesso que me arrependi de deixar Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1 para ver somente agora. Com a última parte da história nos cinemas (e eu não ia deixar de me “despedir” de Harry mais uma vez), não queria cair de pára-quedas no meio da trama, sem ver como a primeira parte tinha sido levada ao ar, por isso, assisti ao filme em DVD. E, confesso, minha opinião mudou: David Yates conseguiu fazer um filme de Harry Potter à altura dos livros de J.K. Rowling.

Com um tom sombrio, o diretor conseguiu aproximar o filme do que eu imaginei ao ler o último livro da série. E a história, qualquer um já deve estar cansado de saber: com o retorno de Voldemort, os Comensais da Morte tomam o Ministério da Magia e o mundo do bruxos volta a viver o terror. Nesse meio tempo, Harry Potter é caçado por Voldmorte e parte, junto a Rony e Hermione, atrás das horcruxes, os objetos encantados que são, na verdade, partes da alma de Voldemort que ele, tempos atrás, dividiu em sete. Nessa busca, Harry tenta descobrir um pouco da história do próprio Alvo Dumbledore. Assim, depois de uma série de indícios, se depara com a história lendária das relíquias da morte, que poderão ajudá-lo em sua jornada.

Apesar do ritmo lento, quebrado por um ou outro confronto, o filme funciona bem. É interessante notar como Daniel Radcliffe, Rupert Grint e Emma Watson cresceram e melhoraram suas interpretações. Vivendo, respectivamente, Harry, Rony e Hermione, os outrora garotinhos vivem adolescentes e dão conta do recado de levar grande parte da projeção nas costas. Ao mesmo tempo, ainda que em participações rápidas, Ralph Fiennes, como Voldemort, e Helena Bonham Carter, como Belatrix Lestrange, roubam as cenas em que aparecem.

Com um final impactante, depois da dor de vermos um personagem querido morrer em confronto, vemos Voldemort tomando posse da mais poderosa varinha já criada, uma das relíquias da morte do título do filme. E assim, com os créditos subindo, ficamos ansiosos esperando pela continuação e pela parte final de uma história que marcou época e que, certamente, já é antológica.

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2 já está nos cinemas e muitos já se despediram definitivamente de Harry e companhia. Eu, de minha parte, farei isso em breve. E, logo depois, compartilharei aqui as minhas impressões sobre o desfecho da saga, também dirigido por David Yates.

A Rainha, de Stephen Frears

Leandro Faria — Thu, 14 Jul 2011 12:34:09 +0000

Em 1997, a Inglaterra acabava de escolher seu novo Primeiro Ministro, Tony Blair, quando um trágico acidente de carro, em Paris, vitimou a ex-princesa Diana. A família real, sempre austera e cheia de protocolos, teve de acabar se rendendo às vontades da opinião pública, num episódio que durou quase uma semana numa verdadeira “guerra” particular entre a Rainha Elizabeth II e a imprensa britânica. É sobre essa situação específica que trata o filme A Rainha (The Queen), dirigido por Stephen Frears, e que chegou aos cinemas em 2006.

Depois da morte de Diana, a família real se recolheu em um luto privado, longe do Palácio de Buckingham, em Londres. Mantendo o protocolo, a Rainha esperava que Diana tivesse um velório privado, apenas para seus famíliares. Entretanto, o povo britânico tomou uma atitude impensada e uma comoção nacional aconteceu devido à morte de Diana. Tida como muitos como uma plebeia entre a família real, pelo menos em sua morte a opinião pública esperava o “respeito” que imaginavam nunca ter sido oferecido a Diana enquanto viva. Surgia então um impasse: manter o protocolo e a austeridade real ou ceder à vontade dos súditos.

No filme, Tony Blair faz o papel de mediador da situação, tendo de lidar com a imprensa e o público – que o viam como um líder de coração e que prestavam a homenagem devida à Diana – ao mesmo tempo em que arquitetava uma forma de que a Rainha Elizabeth revisse sua posição de monarca.

Lady Di, que vivia uma relação de amor e ódio com a imprensa e os tablóides enquanto viva, ao morrer teve sua redenção: foi acolhida por todos como um ícone da realeza britânica, que estampava suas páginas, dia a dia, com matérias sobre a frieza da família real. Com o passar dos dias e os pronunciamentos de líderes governamentais de vários países e do próprio Primeiro Ministro Britânico logo após o acidente, todos esperavam por uma fala da Rainha, que se negava a isso, já que não via Diana como um membro da família real. A opinião pública martelava que a bandeira sobre o Palácio de Buckingham deveria estar à meio palmo – algo que nunca acontecera antes, nem mesmo durante a morte de reis ou rainhas – e que a Elizabeth II deveria manisfestar seu luto publicamente, como forma de consolo à seus súditos.

Tony Blair, bem assessorado, acabou por criar o icônico termo “Princesa do Povo” ao se referir à Diana em sua primeira pronunciação à imprensa. A família real era, pouco a pouco, acuada de todos os lados para tomar uma atitude e mostrar às caras à população.

Dirigido com um tom meio documental meio ficção, por Stephen Frears, o filme conta com interpretações magistrais de Helen Mirren, como a Rainha do título – que ganhou o Oscar pelo papel – e de Michael Sheen, como Tony Blair. Mesmo vivendo personagens ainda vivos e conhecidos, os atores dão um verdadeiro show.

A narrativa meio lenta pode afastar os mais chegados ao cinemão americano, mas o filme é interessante e merece a conferida. De preferência, como eu fiz: no conforto do meu lar, na minha televisão.

Latter Days, de C. Jay Cox

Leandro Faria — Sun, 10 Jul 2011 22:57:10 +0000

O amor entre pessoas diferentes já foi tema de diversos filmes. Da diferença de classes aos amores impossíveis, esta aí, quase sempre, uma boa história para um filme. Mas, e quando o amor surge entre iguais, mas com posturas diferentes? No caso de Latter Days, os iguais são dois homens, mas com posturas de vida totalmente opostas.

Dirigido por C. Jay Cox em 2003, Latter Days conta a história de Christian, um gay de 20 e poucos anos, assumido e cujo maior desafio na vida é flertar e conquistar outros homens. Ao lado de seus amigos, todos garçons de um restaurante de Los Angeles, ele vive sua vida e suas “paixões” diárias.

Enquanto isso, Aaron Davis é um mórmon que acaba de se mudar para o mesmo condomínio de Chris. Junto com outros três missionários mórmons, o “Elder” Aaron Davis é um jovem que tem a religião da família ultra-conservadora como modelo e seguiu os passos que esperavam dele. Até que ele conhece Chris e uma história de amor se desenha.

Contando com uma boa dose de drama, Latter Days é um filme simples e sincero, daqueles que conseguem emocionar sem soar como um manifesto. Apesar da temática gay da história – e do espinhoso assunto religião incluído no roteiro – a trama é leve, apesar dos momentos bastante dramáticos.

Vale notar alguns nomes do elenco. Jacqueline Bisset faz o papel da dona do restaurante onde um dos protagonistas trabalha e é como uma mãezona de todo o pessoal. Além disso, é interessante notar os primeiros passos na carreira de ator de Steve Sandvoss (Dizem Por Aí, O Jogo do Amor), que vive Aaron.

Melhor ainda é Joseph Gordon-Levitt. O jovem ator, que chamou atenção no aclamado 500 Dias Com Ela e em A Origem (além de ser o novo Homem Aranha dos cinemas), faz um papel de coadjuvante como um dos missionários que dividem a casa com Aaron.

Leve, simples e com uma mensagem de tolerância à diversidade e contra o extremismo religioso. Latter Days vale a pena e é recomendado.

Lição de Amor, de Federico Moccia

Leandro Faria — Mon, 02 May 2011 13:22:57 +0000

Desde que li Desculpa Se Te Chamo de Amor - e, mais recentemente, sua continuação, Desculpa, Quero Me Casar Contigo – e soube que o primeiro livro tinha uma versão cinematográfica, fiquei curioso para acompanhar essa história em outra mídia. Gostei razoavelmente dos dois livros e ter a oportunidade de ver os cenários e personagens imaginados por mim transpostos para a realidade do cinema me causou curiosidade. Então, entre uma pesquisa e outra cheguei até Lição de Amor, título ridículo no Brasil, para o filme italiano de 1999 baseado no primeiro livro.

O que eu não imaginava era que o diretor do filme fosse o mesmo Federico Moccia, autor dos romances. Assim sendo, pensei que o filme poderia ser tão ou mais divertido que os livros, mas acabei me enganando. Embora tenha um enredo até que interessante para desenvolver, Federico Moccia mostra, como diretor, que deveria apenas escrever livros. Sua versão para os cinemas de sua própria história é sonolenta e chata. Somente como exemplo: querendo soar criativo, os recursos de citar nos livros frases de diversos autores conhecidos para enfeitar a história, no filme soa desproposital e gratuito.

A história é a mesma do livro original: Alex, um publicitário de 37 anos, está numa depressão depois que foi largado por Helena, a quem havia pedido casamento. Num belo dia, literalmente atropela Nikki, uma jovem de 17 anos, que cruza um sinal e bate com sua moto no carro de Alex. A partir daí, numa dinâmica de encontros orquestrados por Nikki, o casal acaba se apaixonando.

As comédias românticas, em geral, seguem a fórmula pronta do casal que se conhece e devido às diversas circunstâncias não podem ficar juntos, para que isso aconteça somente no final. Aqui, o charme da história fica na diferença de 20 anos de idade dos protagonistas.

Os demais personagens são bem interessantes, mas unidimensionais demais na transposição do livro para o cinema. Pietro, Enrico e Flávio – e suas respectivas esposas ,- amigos de Alex; e Olly, Diletta e Erica, amigas de Nikki, não dizem a que vieram e são apenas suportes bobos dos dois protagonistas. Os pais de Nikki, que poderiam ser colegas de Alex devido à aparência física, são sub-aproveitados e a história é rasa demais.

O que vale a pena no filme é a fotografia, com suas belas paisagens e o tour que fazemos por Roma e vizinhança. As tomadas são belíssimas e acompanhar os personagens por aqueles cenários é bem prazeroso – se você se mantiver acordado durante o filme, já que a história não é contada de uma forma que isso seja muito possível.

Então, a dica é: leia o livro que originou o filme. Vale bem mais a pena. E se, e somente se, você for como eu, assista o filme para comparar as duas obras e ter certeza de que quase sempre o livro é melhor do que o filme. Em Lição de Amor isso é mais que verdadeiro.

Pão e Tulipas, de Silvio Soldini

Leandro Faria — Mon, 02 May 2011 12:34:05 +0000

O mote de se perder para se encontrar é quase um clichê cinematográfico. Vários são os filmes em que vimos personagens ‘perdidos’ – metafórica ou literalmente – em busca de seus caminhos e, durante a projeção, encontrando-se numa verdadeira odisséia particular. Pão e Tulipas, filme italiano de 2000, usa a mesma premissa para construir uma história divertida e tocante sobre o tédio e a solidão familiar.

Acompanhando a história de Rosalba, uma dona de casa que, numa excursão com sua família, é esquecida numa parada de ônibus e num impulso decide ir até Veneza ao invés de voltar para sua casa, o diretor Silvio Soldini cria uma história com tom de fábula que, pouco a pouco, vai enlaçando o espectador. Rosalba, aparentemente uma mulher submissa ao marido e presa em seus afazeres, uma vez em Veneza vai esticando sua estadia no que ela chama de ‘férias’ da própria família. Sem dinheiro, é acolhida por Fernando, um garçom de cantina, que lhe oferece um quarto. Arranja um emprego numa floricultura e, pouco a pouco, vai construindo uma nova vida, distante da que deixou, até que surge um ‘detetive particular’ contratado pelo marido para levá-la de volta para casa.

A câmera de Soldini nos mostra uma Veneza distante do cartão postal em que ela é comumente vendida. Em Pão e Tulipas, Veneza até tem um ou outro encanto, as gôndolas continuam lá, mas a cidade em si é feia e suja, passando uma sensação meio claustrofóbica na tela. As ruas apertadas, os imóveis feios e velhos, tudo na cidade nos dá uma sensação oposta à da liberdade encontrada por Rosalba ali. Intencional ou não, funciona bem.

Costurando a história, Rosalba vai interagindo com outros personagens. Fernando, que a acolhe, é um homem que até sua chegada pensava em se matar, apesar do amor que sente pelo neto que ninguém sabe que existe. Já a vizinha de Fernando e nova amiga de Rosalba, acaba se apaixonando pelo detetive que surge na história para – em vão – conduzir a personagem principal de volta para sua família. O elenco, bem entrosado, é competente e dirigidos por Silvio Soldini entregam um bom desempenho.

Pão e Tulipas é daqueles filmes de tom um pouco acima, que nos diverte por suas surrealidades e mensagem de que tudo no final acaba dando certo. É uma história para aqueles que gostam de romance, mas que não se importam de vê-lo contado de uma forma diferente das vistas nas comédias românticas americanas. É filme para ver e deixar um singelo sorriso brotar no seu rosto.

Romeu + Julieta, de Baz Luhrmann

Leandro Faria — Mon, 28 Mar 2011 16:01:06 +0000

Clássicos são eternos. E os clássicos de William Shakespeare são mais eternos ainda. Autor de tragédias e comédias, é do autor aquela que é considerada a primeira e mais trágica história de amor: Romeu e Julieta. O cinema (e o teatro e a televisão) se inspiraram na clássica história muitíssimas vezes e todos conhecemos por alto a trama. Entretanto, no já distante ano de 1996, o diretor Bass Luhrmann resolveu inovar e dar uma roupagem mais moderna para a história e levá-la novamente aos cinemas. Chegava assim às telonas Romeu + Julieta, uma deliciosa história trágica de amor.

Na versão de Luhrmann, a história da peça de Shakespeare é transportada para os dias atuais, tendo como cenário a cidade de Verona Beach, uma metrópole que é atormentada pela guerra entre duas famílias rivais: os Montéquio e os Capuleto. Crimes e vandalismo marcam os encontros dos membros de ambas as famílias, que se detestam, possivelmente, há eras!

Nesse cenário é que somos apresentados ao jovem e apaixonado Romeu, vivido por um Leonardo DiCaprio pré-Titanic, mas já mostrando o ator que se tornaria no futuro. Sofrendo de amor pela jovem Rosalinda, Romeu é convencido por seus primos e amigos e invadir uma festa na casa dos Capuleto e lá acaba se conhecendo e apaixonando-se perdidamente pela bela e jovem Julieta Caputleto, vivida por Claire Danes, que ilumina a tela com sua beleza. O desenrolar da história, todos nós já conhecemos, mas a adaptação nos prende de tal forma que é improvável que você não acompanhe o filme até seu final apoteótico.

O mais interesssante da versão de Luhrmann é que toda a trama foi adaptada para os dias atuais, com excessão dos diálogos. Ou seja, espadas e punhais são trocados por armas de fogo, a ação se passa numa grande cidade, tudo remete ao mundo que conhecemos e vivemos. Entretanto, todos os diálogos foram mantidos na forma originalmente escrita por Shakespeare, o que dá um toque todo lírico à produção.

A trilha sonora é um detalhe à parte, com músicas muito bem inseridas e escolhidas. Você certamente irá atráz das músicas do filme ao terminar de assistí-lo. Aliado a isso, a fotografia é excelente, com imagens deslumbrantes (a própria Verona Beach, a praia, a igreja cheia de velas quase no final) e cenas de um cuidado visual incrível.

Romeu + Julieta, um clássico dos anos 90, que merece ser assistido e reassistido várias vezes.

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